Par où commencer avec Steven Spielberg


Quand quelqu’un demande « par où commencer avec les films de Steven Spielberg ? », la réponse réaliste pourrait être « où vous voulez ». Il n’y a pas beaucoup de gens qui peuvent affirmer de manière réaliste avoir changé tout le paysage du cinéma, du moins quand on pense au cinéma narratif occidental grand public, mais Spielberg est certainement l’un d’eux. Originaire de l’Ohio et ayant grandi à Phoenix, en Arizona, Steven Spielberg est allé en Californie pour étudier le cinéma. Après un bref passage à apprendre ses manières de diriger à travers des épisodes télévisés, il a lentement fait sa percée dans les longs métrages, en grande partie grâce à un court métrage de 30 minutes qu’il a réalisé pendant ses études. Ce film, Amblin, deviendra sa carte de visite, et sa société de production cinématographique sera plus tard nommée Amblin d’après le film qui a tout déclenché. grands. Cimentant pratiquement l’idée du blockbuster cinématographique moderne en 1975 avec Jaws, il s’est plongé dans presque tous les genres imaginables, de l’horreur à la science-fiction en passant par la fantaisie. La comédie musicale, la comédie de guerre, le thriller politique, l’épopée historique, la romance ; tout allait tomber sous le regard de Spielberg dans la période suivante de plus de cinquante ans, et il ne montre aucun signe d’arrêt. Steven Spielberg a réalisé 35 longs métrages à ce jour, produit et été producteur exécutif sur des dizaines d’autres, et est l’un des, sinon le, le réalisateur le plus titré commercialement de tous les temps. Et pourtant, malgré toute cette gloire, ce succès et cette longévité, comme tout talent aux échelons supérieurs de leur métier, Spielberg parvient toujours à maintenir des concepts, des idées, des thèmes, des styles et des principes clés tout au long de son travail, même s’il évolue au fil des années. Choisir seulement trois films à suggérer est délicat, car il pourrait facilement s’agir de 80% de son œuvre (certains, comme 1941, certes, sont les très rares ratés d’une liste stellaire). Ces sélections ne sont pas toutes ses films les plus réussis, elles ne sont pas toutes celles qui ont remporté les Oscars – elles sont des exemples parfaits des différentes facettes du style de Spielberg, de son processus, de son développement. Ils visent à donner une appréciation globale du travail du grand réalisateur, un aperçu plus large de son cinéma, à offrir de multiples façons d’y entrer. Comme Spielberg lui-même l’a dit un jour, il « rêve pour gagner sa vie ». Voici donc trois de ses rêves les meilleurs et les plus intrigants pour que vous le suiviez dans Neverland. C’est Par où commencer avec Steven Spielberg.

1. Duel (1971)

En 1971, après quelques travaux à la télévision, Universal engagea un jeune Steven Spielberg pour adapter une histoire de Richard Matheson (le romancier responsable de « I Am Legend », « The Shrinking Man », et d’autres) sur un homme harcelé par un énorme camion essayant de le tuer. Il devait être diffusé à la télévision, dans le cadre de leur série de films originaux du samedi soir. C’était l’occasion pour un jeune homme de faire ses preuves – son troisième « long métrage » en l’occurrence – après un film presque disparu de 1964 intitulé Firelight réalisé à l’âge de 17 ans avec l’aide de son lycée, et un long métrage de ‘Le nom du jeu’. C’était une fonctionnalité commandée, avec un équipage professionnel sous son contrôle. Ce fut la grande pause.Avec un calendrier exténuant et impossible (ils avaient moins de deux semaines pour tourner tout le film ; quelque chose que Spielberg et toute l’équipe savaient que c’était impossible, mais Universal leur a quand même donné), ils se sont mis au travail pour créer un film remarquablement bien- thriller affûté, simple, dépouillé, et qui tient encore aujourd’hui. Avec le vétéran Dennis Weaver en tête, Spielberg parvient à maintenir la tension pendant soixante-dix minutes consécutives, chacun de nous avec le pauvre David Mann pour chaque kilomètre poussiéreux, même malgré les tensions dans les coulisses. Spielberg s’appuie sur l’un de ses héros réalisateurs, Alfred Hitchcock, pour garder l’ensemble du scénario simple mais dérangeant. Ne nous permettant jamais de voir le conducteur du fameux camion crasseux, ne nous donnant jamais d’explication à tout cela, le Semi lui-même devient le monstre, l’arme, l’objet de la peur. C’est dans ce film que Spielberg montre sa gestion déjà ferme de la tension et du suspense, un élément de son style qui sera présent non seulement dans des films tels que Jaws (dont il a admis avoir une dette de réalisation envers Hitchcock ; lorsque leur requin animatronique continuait à mal fonctionner, il s’est demandé ce que ferait Hitch, et a décidé qu’il ne montrerait presque pas le requin, tout comme il n’avait jamais montré le chauffeur du camion quatre ans plus tôt), mais dans des films familiaux comme ET l’extra-terrestre et Le BFG, et même dans son fantasme romantique Always.Duel est la principale vitrine de l’endroit où irait le jeune Spielberg, sa maîtrise du montage et du travail de caméra. C’est là que les fondations ont été posées, où sa promesse et son génie ont été montrés au monde, et c’est toujours une sacrée bonne balade à sensations fortes du début à la fin.

2. Jurassic Park (1993)

Jurassic Park / Films du monde classésEn 1975, Steven Spielberg a défini le blockbuster moderne avec Jaws. Il continuerait à s’appuyer continuellement sur cela avec des films tels que Rencontres rapprochées du troisième type, ET et la trilogie Indiana Jones. Lorsque Hook est sorti en 1991 avec des critiques mitigées, on pouvait presque imaginer que les quinze dernières années avaient épuisé ses pouvoirs. Peut-être qu’ils étaient sur le déclin, le blockbuster de genre exagéré ayant maintenant le bâton saisi des mains de Steven. Oh, comme ils avaient tort. En adaptant le roman de Michael Crichton du même nom et en faisant à nouveau équipe avec le compositeur John Williams (leur 12e collaboration), Spielberg ouvre les portes d’un lieu au-delà de l’imagination; un parc à thème sur une île isolée habitée par des dinosaures ressuscités. Voici le diplodocus et le brachiosaurus, et quelque part autour de là se trouve la bête la plus redoutée, le Tyrannosaurus Rex. Jurassic Park est devenu le film le plus rentable de tous les temps lors de sa sortie, et pour une bonne raison. Les effets sont étonnamment réalisés, à la fois CGI et pratiques. La musique est magnifique, le jeu d’acteur parfait, la cinématographie exceptionnelle. Le film parvient à vous envelopper dans un émerveillement écrasant en un instant, puis à en avoir un sur le bord du siège le suivant. Une seconde tu ris, la suivante tu pleures, la suivante tu cries. Il se concentre, pendant une grande partie de son exécution, sur les enfants du film – comment ils voient et réagissent au monde, l’innocence qu’ils ressentent – et leur terreur se reflète en nous. Leur admiration et leur peur sont aussi les nôtres. Et pourtant, bien que sa décennie précédente soit si souvent dans le monde du film familial à gros budget, Spielberg n’a rien perdu de ces pouvoirs pour créer du suspense et de la tension. L’un des plans les plus célèbres du film est un simple gros plan d’une tasse d’eau sur le tableau de bord d’une voiture, des ondulations à la surface de l’eau devenant de plus en plus grandes à mesure que quelque chose se dirige vers nous. Il faut un talent particulier pour que l’un des moments les plus emblématiques du film le plus réussi commercialement de tous les temps (à l’époque) soit une photo de gobelets en plastique. C’est son pouvoir. Quand il en a l’occasion, il coupe les dialogues et les babillages pour en venir à l’instinct, car peu importe qu’on ait sept ou soixante-dix ans ; vous voyez cette eau trembler, vous savez que ce n’est pas bon.

3. Rapport minoritaire (2002)

Examen du rapport minoritaireIl est arrivé un moment vers la fin du 20e siècle lorsque Spielberg est passé, très légèrement, à des films plus sérieux et introspectifs. Cela ne veut pas dire qu’il ne les avait pas faites auparavant, par exemple avec La Couleur pourpre en 1985 et La Liste de Schindler en 1993. Et il n’a pas complètement abandonné son innocence enfantine ; le motif d’enfance pour lequel il était devenu le plus célèbre dans les années 80 était toujours présent dans des films tels que The BFG et Ready Player One en témoigneront. Mais tout au long des années 90, il a lentement semblé passer à des films un peu plus sombres et plus contemplatifs. Amistad et Saving Private Ryan ont certainement jeté un coup d’œil à un ou deux personnages plus que d’autres films ne l’avaient fait auparavant, se tournant vers la partie sombre de l’humanité pour essayer de trouver un peu de gloire. Même AI : Intelligence artificielle, bien qu’il se concentre sur un enfant robot, était beaucoup plus sombre que ses autres films centrés sur l’enfant ; même si, étant un projet interrompu par son mentor Stanley Kubrick, qu’il a filmé en son honneur, avait probablement quelque chose à voir avec ce ton. Avec Minority Report, l’adaptation de 2002 de la nouvelle de Philip K. Dick, Spielberg combine ce regard plus sombre sur l’humanité avec les visuels à succès des images de genre de son époque la plus célèbre, appliquant le thème du suspense hitchcockien de l’homme en fuite pour créer un Spielberg réinventé pour le 21e siècle. Dans un futur cyberpunk, avec Anderton de Tom Cruise en fuite pour échapper à la police qui tente de l’arrêter pour un crime qu’il est censé commettre dans le futur, Spielberg joue cartes sur table. Il y a le suspense pour lequel il était connu, des séquences de se cacher et chasser et couper en travers pour un maximum d’essoufflement, obligeant le public à saisir les bords de leurs sièges. Nous avons les visuels étonnants et la grande échelle vus dans des séquences telles que le boîtier de voiture vertical, aidé par l’évolution rapide de la technologie GCI, et les reflets brillants qui feraient partie de son look standard dans les films à venir (voir Ready Player One, West Side Story, La guerre des mondes ; même Lincoln a un aspect flou sur l’éclairage de certaines scènes, ce qui lui donne une sensation nettement cinématographique). Pourtant, le scénario conspirateur se reproduirait dans des films tels que Munich et The Post, et avait été abordé dans Amistad cinq ans plus tôt. Spielberg montre ici où une grande partie de sa production ira pendant les prochaines décennies; le blockbuster à gros budget socialement conscient, qui considère l’humain comme un monstre (même lorsque les extraterrestres sont en liberté), la société créant les ombres dans lesquelles le méchant déguisé peut se cacher (même dans The Terminal, ce sont les grosses perruques en haut empêchant Victor de partir). En tant que premier film post-11 septembre, ce n’est peut-être pas surprenant. Le monde a changé, et Steven Spielberg et son cinéma ont changé avec lui. C’est cette adaptabilité au sein de son style unique qui a permis à ce grand réalisateur de durer toutes ces années et de devenir l’icône mondiale qu’il est.

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