En 2022, les longs métrages d’animation ont utilisé de nombreuses techniques et looks différents pour raconter leurs histoires, comme le stop motion pour « Marcel the Shell With Shoes On », « Guillermo del Toro’s Pinocchio » et « Wendell & Wild » d’Henry Selick. Il y avait plus de fonctionnalités CGI grand public et la 2D a également fait sensation. Variety a parlé à certains des animateurs derrière ces films de leur talent artistique.
DEAN FLEISCHER-CAMP Lorsque Fleischer-Camp a commencé à concevoir son personnage principal pour « Marcel the Shell With Shoes On », il a fait des recherches approfondies sur la science de la gentillesse et est tombé sur l’idée que les bébés mammifères ont souvent les yeux écarquillés et des têtes disproportionnées par rapport à leur corps. «Je pensais qu’il n’y avait pas plus d’œil large qu’un seul œil en soi», déclare Fleischer-Camp. « Nous avons un peu repensé la fonctionnalité et l’avons rendue un peu plus volumineuse, mais elle est restée la même.
» L’histoire du cinéaste d’un étranger à la recherche d’une maison semblait convenir parfaitement au stop motion, avec tout son charme original et unique. Il ne pourrait jamais imaginer le raconter dans un autre média. « (Stop motion) est un métier si ancien et tant de choses sont restées les mêmes depuis si longtemps », déclare Fleisher-Camp.
«Je pense que pour une raison quelconque, cela a été l’une des dernières choses à être perturbée et reconsidérée à l’ère numérique des effets spéciaux et des effets visuels. Maintenant, nous avons un accès vraiment facile et peu élévateur à des choses comme le retrait de la plate-forme et des choses qui facilitent le processus, mais augmentent également toutes sortes d’applications et d’opportunités pour le stop motion. En faisant « Marcel », nous faisions une tonne de recherches et de découvertes.
C’était un peu sans précédent parce que la dernière fois que quelque chose comme ça avait été tenté dans une fonctionnalité, je pense, était « Monkeybone », bien avant que les gens ne grandissent sur After Effects et les logiciels de montage. Cela m’a donné l’impression qu’il existe des tonnes de possibilités vraiment intéressantes non seulement pour le stop motion, mais aussi pour fusionner les techniques de stop motion avec d’autres types de techniques. Et dans ‘Robin Robin’, je pense que c’était la première fois que je voyais l’utilisation de calques.
Fondamentalement, chaque prise de vue dans ce film, je pense, est de 15 couches. Donc, je pense que c’est un indicateur de ce qui est à venir et j’espère que c’est une nouvelle révolution dans le stop motion. GUILLERMO DEL TORO Del Toro a parlé à plusieurs reprises de sa relation avec son père et comment elle s’est propagée à travers les films qu’il aime et les films qu’il réalise.
« Pinocchio » n’a été achevé que cinq ans après la mort de son père, mais l’influence est toujours là, au plus profond de la narration. « Pour beaucoup de gens qui regardent ce que vous faites, vous êtes un réalisateur et il y a une filmographie mais, pour vous, vous êtes un être humain et c’est une biographie », explique del Toro. «Nous avons vraiment des albums de famille à montrer au monde.
Certaines personnes disent : « C’est comme ça que j’ai passé mes vacances à Yosemite. Nous disons que c’est ainsi que nous avons passé la dernière décennie et demie. C’est ainsi que j’ai passé les 1 000 derniers jours partagés avec un incroyable groupe d’artistes.
Je pense que lorsque vous abordez un film avec des artistes qui comprennent à quel point c’est profond pour vous, vous le rendez profond pour eux. Diriger, c’est rendre l’expérience profonde pour tout le monde. C’est vraiment ça.
Les gens comptent sur vous pour être une source d’inspiration ou un agent de la circulation. Vous dites plus de magenta ou moins de magenta, plus de cyan ou déplacez-les ici. Vous dites que c’est de cela qu’il s’agit et que c’est ce que la marionnette devrait ressentir.
Comment allez-vous le montrer ? Parlez-moi un peu de cela. Et vous prenez le temps de parler aux animateurs comme des artistes. « Donc, je pense que lorsque mon père a été kidnappé et que nous l’avons sauvé en 1998, quelque chose a changé.
Il est sorti très fragile. Tout d’un coup, je l’ai vu comme un être humain, pas comme mon père. « Le deuxième grand moment a eu lieu dans ses derniers jours, lorsque j’ai pu m’asseoir à ses côtés sans qu’il ait l’air d’un géant, mais juste d’une personne, et j’ai compris les choses à un niveau instinctif.
Et ce sont des choses que vous vous demandez et que vous vous posez en public, avec des films comme [“Pinocchio”], vous savez, et comme l’un des grands mystères de l’univers, c’est la capacité que nous avons de nous voir et de nous aimer. PEGGY HOLMES En tant que réalisatrice, chorégraphe, scénariste et danseuse, Holmes a travaillé sur « The Pirate Fairy », « Secret of the Wings » et « Mickey’s Twice Upon a Christmas » avant « Luck ». C’est au sein de Skydance Animation qu’elle a trouvé l’occasion d’apprendre de ses collègues artistes et d’affiner son propre travail.
« J’ai eu la chance d’être dans des entreprises où j’ai vraiment pu travailler et développer des histoires avec les gens là-bas », déclare Holmes. «Je pense que ce qui est unique à l’animation, c’est que vous créez un studio où il y a beaucoup d’artistes et que vous commencez à créer des histoires au sein de ce studio. Vous avez peut-être différents artistes travaillant sur différentes histoires.
C’est une excellente occasion pour plus de gens de raconter leur histoire. Et c’est l’idée que dans l’animation, c’est-à-dire que vous voulez créer un studio d’animation et une communauté d’artistes, qui grandissent et se développent au fil du temps, et vous avez cette chance de faire partie de cette communauté. C’est peut-être là qu’il y a une grande différence dans l’animation.
Vous obtenez beaucoup de conseils lorsque vous développez des histoires au sein de l’entreprise. Le studio investit dans les artistes et rassemble des équipes créatives et investit dans les artistes pour voir ce qui peut venir de l’écriture ou du développement d’une idée ou de l’attachement à un projet. C’est là que ça permet vraiment aux artistes de s’épanouir.
Holmes aime aussi l’opportunité de travailler avec des équipes d’artistes qui échangent des commentaires sur le travail. Elle a le sentiment d’avoir appris en regardant les autres développer leurs projets et les discussions quotidiennes sur la façon dont l’histoire et l’animation se rejoignent. « Vous voyez le travail d’autres artistes et vous voyez leurs films et leurs progrès et ce n’est pas toujours facile », déclare Holmes.
. « Je trouve qu’il est beaucoup plus facile d’apprendre quelque chose quand on regarde le film de quelqu’un d’autre que le sien, car il est très difficile de se détacher de ce qu’on a et de ce qu’on fait. » NORA TWOMEY Réalisatrice d’animation irlandaise et co-fondatrice de Cartoon Saloon, Twomey a produit les célèbres « Wolfwalkers » et son dernier travail en tant que réalisatrice est « My Father’s Dragon », une aventure animée en 2D.
En tant que personne qui s’est tournée vers l’animation au début de sa vie, elle pense que le médium plaît à un certain type d’artiste. « Je me demande souvent sur l’animation en général pour savoir si le type de personnes qui attire », explique Twomey. « Pour dessiner, il faut savoir écouter.
Vous devez être capable de vous voir correctement et vous devez être capable de faire de la place dans votre cerveau pour l’imprévisible et les choses qui ne sont pas normales, des choses qui ne sont pas ce à quoi vous vous attendriez. Je pense que dans l’animation, il y a plus d’ouverture. Pour ne pas dire que cela a toujours été le cas.
Même quand j’ai commencé il y a plus de 25 ans, je pense que j’étais l’une des quatre femmes de mon année à l’université. Je pense que je suis le seul de ces quatre qui travaille encore dans l’animation, mais j’ai vu que cela a changé au fil des ans. Maintenant, si j’entre dans une salle de classe universitaire, ce sont souvent surtout des femmes qui sont là.
Mon équipe sur mon film était principalement composée de femmes et de nombreux postes de haut niveau au sein de ce film, comme directeur artistique et chef de l’animation, étaient des femmes. Ce ne serait généralement pas ce que vous aviez il y a environ 10 ou 15 ans. Et c’est tellement vrai que j’ai commencé à le prendre pour acquis.
J’ai toujours voulu que cela fasse partie d’histoires un peu différentes, et je pense qu’en ayant une équipe qui n’a pas tous un âge particulier ou un sexe particulier ou qui ne vient pas d’un milieu particulier, vous avez plus de voix et une narration plus intéressante. HENRY SELICK En tant que voix emblématique du stop motion, Selick se consacre à ce médium depuis des décennies. Avec son dernier «Wendell & Wild», il s’est associé à Jordan Peele pour créer une histoire sur le deuil et la perte et les relations parents / enfants, rythmée par ce qu’il appelle des «gouttes d’aiguille» sélectionnées du catalogue Afropunk.
Le film n’est que la dernière histoire unique d’une longue lignée d’histoires originales et spécifiques. « J’étais animateur chez Disney, dessinant beaucoup de petites choses mignonnes », explique Selick. « Mais je suis impliqué dans le stop motion depuis très, très longtemps et j’ai toujours été attiré par le stop motion.
Pour « Wendell & Wild », nous avons tout de suite obtenu une cote PG13, ce qui est important. Nous l’avons demandé dans notre contrat car nous voulions pouvoir explorer les choses un peu plus loin que ce qui se passe dans la plupart des films d’animation américains. Il y a beaucoup de films d’animation où le parent est absent ou l’enfant est orphelin mais ils ne vont pas aussi loin que nous — où l’enfant porte cette culpabilité et se sent responsable de la mort des parents.
C’était nouveau. C’était difficile à gérer dans l’histoire, mais il fallait qu’elle soit là. Je pense que beaucoup de gens pensent que les enfants ne peuvent pas gérer quelque chose comme ça dans une histoire, mais très souvent ils le peuvent.
Ils voient le monde tel qu’il est, nous devrions donc leur donner des histoires qui les touchent là où ils se trouvent. Et l’animation n’est pas réservée aux belles histoires pour enfants qui ont toujours une fin heureuse où tout se termine à la fin. Vous pouvez raconter des histoires compliquées, qui n’ont pas de fin heureuse stéréotypée, qui sont complexes.
Le stop motion est vraiment bon pour ça aussi. C’est un média qui a beaucoup d’imperfections. Les mouvements ne sont pas fluides comme en CG.
C’est très organique et il y a vraiment les empreintes de main de chaque artiste dessus. MASAAKI YUASA Réalisateur d’animation japonais et co-fondateur du studio d’animation Science SARU, Yuasa a travaillé à la fois pour le cinéma et la télévision tout au long de sa carrière. Son travail le plus récent, « Inu-Oh », était basé sur le roman « Tales of the Heike: Inu-Oh » de Hideo Furukawa et suit l’amitié entre un danseur et un musicien aveugle.
Yuasa s’est entretenu avec Variety par l’intermédiaire d’un traducteur pour discuter de son point de vue sur l’animation. « Je suis dans l’animation parce que le premier emploi que j’ai obtenu était l’animation », explique Yuasa. « C’est vrai que c’est un endroit aux possibilités infinies mais ce n’est pas facile à faire.
Ce n’est pas facile de tout faire quand on fait un film ou une émission d’animation, donc il y a des limites à ce que vous pouvez faire en tant que personne, mais j’aimerais continuer à diriger l’animation en gardant à l’esprit cette possibilité infinie. J’espère créer plus de fonctionnalités d’animation et les rendre encore meilleures qu’avant. Je veux aussi entrer dans différents médias comme YouTube et je veux essayer de faire des projets pour une sorte de théâtre de style planétarium.
Ici [in Japan] tout est question de s’entourer de l’image. Je suis également intéressé par la VR. Donc, je continuerai à faire des films et de la télévision, mais je veux aussi essayer de me mettre au défi avec ces différents médias.
S’il y a de nouvelles façons pour moi de divertir les gens, ce pourrait être le streaming ou les films, ou des façons plus innovantes de divertir les gens, cela me semble plus intéressant. le défi de raconter une histoire ancienne dans « Inu-Oh » le fascinait toujours. chemin », dit Yuasa.
« Je voulais que les gens du monde actuel comprennent, donc pour ce faire, j’avais besoin d’une forme d’art plus exagérée pour donner le même sentiment que les gens avaient à l’époque. » MARK GUSTAFSON Le travail de Gustafson en stop motion était légendaire depuis le début. Au début de sa carrière, il a travaillé sur des publicités mettant en vedette les California Raisins.
Plus tard, il a commencé à travailler sur des longs métrages en commençant par « Fantastic Mr. Fox » de Wes Anderson. Il est maintenant co-réalisateur de « Guillermo del Toro’s Pinocchio », où il a collaboré avec Guillermo del Toro pendant une grande partie de la pandémie sur un long métrage qui a pris 10 ans à faire.
« Vous ne pouvez pas être objectif immédiatement sur le film que vous faites et vous devez savoir que cela va vraiment prendre du temps d’être objectif sur ce sur quoi vous travaillez », explique Gustafson. « Vous essayez de garder vos distances autant que possible lorsque vous le faites parce que vous devez faire tellement de choix qui n’ont rien à voir avec la réalisation du film. Décisions pratiques concernant la planification et la budgétisation.
Cela fait partie de la discipline de faire un film comme celui-ci, c’est de comprendre que vos idées doivent servir l’histoire plutôt qu’une gratification instantanée pour vous. Vous avez ces moments de, ‘Oh, c’est une excellente idée ! ‘ Vous obtenez cela tout le temps. Et puis vous vous rendez compte, je ne peux tout simplement pas faire ça parce que j’ai quelque chose de plus grand que je dois honorer.
« La pandémie a été, en fait, à certains égards, une bénédiction pour nous parce que nous sommes capables de nous recentrer sur l’histoire sans le poids de la production ne fait qu’avancer sur notre dos. Tout s’est suffisamment ralenti pour que nous reprenions notre souffle et Guillermo a dit: « D’accord, regardons ce que nous fabriquons. ».