Lorsque l’acteur non binaire August Winter a lu « Women Talking » de Sarah Polley, ils étaient vraiment enthousiasmés par la perspective de jouer le personnage transgenre Melvin, qui trouve son identité dans un environnement spécifique et inconnu – dans ce cas, au milieu d’une communauté mennonite luttant contre les substances toxiques. masculinité. Comme la plupart des personnages du film, Melvin était un survivant d’agression sexuelle et Winter a réagi à l’intégrité avec laquelle Polley a navigué dans son traumatisme.
« Ses [gender] l’identité a toujours fait partie de lui », expliquent-ils. « Surtout parce qu’il ne parle pas pendant une grande partie du film, il était important pour moi de capturer ce sentiment de quelqu’un qui découvre qui il est à travers un événement, pas à cause de cela. » Au cours de cette saison de récompenses, les films mettant en vedette ou centrés sur des personnages LGBTQ + les présentent comme des personnes complexes et pleinement réalisées.
Pour comprendre Melvin, Winter a réfléchi à la signification de connaître son identité mais de ne pas être encore prêt à sortir. « Je n’ai jamais eu l’expérience de choisir de ne pas parler, mais j’ai traversé des périodes où je n’étais pas prêt à parler de mon identité », disent-ils. « [I thought of it] comme la chrysalide et le papillon.
Dans ce contexte particulier, Melvin doit comprendre ce que signifie être un homme d’une nouvelle manière parce que [the old way] est lié à la violence. Il a cette possibilité de choisir. Ils poursuivent : « Ce que je recherche immédiatement [in a script] est, ‘Cette personne est-elle un être humain?’ Je vois beaucoup plus de rôles pour les personnes trans et non binaires, et c’est génial.
[But I want] l’industrie pour simplement normaliser que nous faisons partie de chaque histoire. La complexité de l’expérience humaine que Winter recherche dans les histoires a été ancrée dans de nombreuses fonctionnalités riches en couches au cours de l’année écoulée, celles qui étaient dirigées par ou mettant en évidence des personnages LGBTQ + complexes. « Je voulais raconter une histoire où le fait que le [lead] le personnage était une lesbienne était tout simplement une donnée », explique Todd Field, le scénariste-réalisateur « Tár », dans lequel Cate Blanchett dépeint Lydia Tár, une maestro célèbre mais profondément problématique qui tombe en disgrâce.
« En réalité, avoir un personnage lesbien dans cette position est un conte de fées. Une femme, gay ou hétéro, n’a jamais été le chef d’orchestre principal d’un grand orchestre allemand. Mais dans son monde narratif, Field voulait juste imaginer une réalité où c’était exactement comme ça que les choses se passaient.
Il voulait que sa protagoniste féminine gay opère dans les mêmes paramètres que ceux du patriarcat qui l’a précédée. « Nous nous débattons tous avec la question de savoir pourquoi les humains sont dépendants des structures hiérarchiques », dit-il. « C’est la question séculaire du pouvoir : qui l’a, le nourrit et en profite ? [from it].
Depuis le début des temps, ces individus sont des hommes et nous sommes atténués par ce que nous sommes censés ressentir à ce sujet. Donc, en inversant cette réalité et en laissant Lydia Tár détenir ce genre de pouvoir, le spectateur peut éventuellement voir les choses à travers une lentille légèrement différente lors de l’examen des actions du personnage, sans être accablé par un préjugé instinctif presque impossible à éviter. Ailleurs, le duo scénariste-réalisateur Dan Kwan et Daniel Scheinert de « Everything Everywhere All at Once » voulait raconter une histoire de lutte générationnelle.
« Nous savions par expérience à quel point il est difficile pour la génération de nos parents d’accepter pleinement l’homosexualité », disent-ils. « Notre processus d’écriture était très expérimental car nous cherchions une histoire qui nous permettrait d’explorer cette tension. » Avec chaque brouillon, les collaborateurs se sont rapprochés de quelque chose qui semblait véridique et spécifique à la façon dont les parents immigrés américains d’origine asiatique traitent les conflits de manière non conflictuelle, et comment ce processus pouvait souvent effacer douloureusement l’identité de leurs enfants.
Tout au long, ils ont atterri sur des versions plus homophobes d’Evelyn (Michelle Yeoh) et des itérations plus fermées de sa fille ouvertement gay Joy (Stephanie Hsu), mais ont atténué ces instincts. Pendant ce temps, ils ont abordé Jobu, l’alter ego de Joy, comme le cauchemar d’Evelyn : « Le pire scénario pour sa fille. Nous n’envions pas nos parents d’avoir à porter le fardeau de dire à leurs collègues que leurs fils ont fait le « film Harry Potter sur le cadavre qui pète » ou le « film sur la bestialité des chevaux de l’Alabama ».
Et pourtant, ces films étaient des expressions des parties les plus vulnérables et les plus étranges de notre subconscient qui étaient incroyablement curatives pour nous. Et donc Jobu est une expression de tout ce que Joy a activement supprimé. Finalement, ils ont reconnu leurs propres angles morts et ont invité les communautés queer et asiatiques américaines à s’exprimer sur les nuances de leur histoire sur les bonnes intentions qui échouent dans le chaos de la vie moderne.
« Nous avons invité Stéphanie et Michelle dans la conversation le plus tôt possible, afin qu’elles puissent donner vie à nos paroles. Le point de vue de Stephanie sur le fait d’être une fille, de grandir dans SoCal, l’homosexualité et la santé mentale était inestimable. Michael Showalter, réalisateur de « Spoiler Alert » – qui rejoint « Bros » et « Fire Island » dans la liste encourageante des comédies romantiques queer de l’année – a toujours été intéressé par les histoires de personnes un peu « sur le côté », » avec des protagonistes comme Kumail Nanjiani dans « The Big Sick » et Tammy Faye Bakker dans « The Eyes of Tammy Faye ».
« Je m’intéresse aux gens qui ne s’intègrent pas tout à fait », dit-il. « Mais je pense que ce qui m’intéresse, c’est de montrer [that] ces différents personnages sont tous [still] comme tout le monde. Showalter a été attiré par la réalisation de « Spoiler Alert » – une adaptation des mémoires de Michael Ausiello qui se concentre sur lui et son partenaire, Kit – en partie parce que ce n’était pas l’histoire d’un couple hétéro.
« Je ne sais pas si j’aurais voulu raconter cette histoire s’il s’agissait d’un couple hétérosexuel. Ce que j’aime dans le film, c’est qu’il suppose que le public n’a aucun problème avec le fait qu’il soit gay. À cet égard, Showalter et les scénaristes ne cherchaient pas à être didactiques ou pédagogiques.
« C’est littéralement juste : ce sont deux personnes et je ne [even] veux dire ‘qui se trouve être gay’ parce que c’est plus que ça. Nous supposons que notre public n’a pas besoin d’aide pour s’y mettre. Nous pouvons simplement dépasser cette partie et entrer dans [their] histoire d’amour.
» Avec « Inspection », le scénariste-réalisateur Elegance Bratton a voulu revisiter ses souvenirs d’avoir rejoint le Corps des Marines à un moment critique de sa vie. «C’était après avoir été sans abri sur la côte Est. Être expulsé de chez moi parce que j’étais gay, la réalité d’être un jeune homme noir sans éducation ni logement stable, je me sentais sans valeur.
Je croyais vraiment que je me dirigeais vers une tombe précoce. Mais [the Marine Corps] étaient des héros pour quelqu’un et c’est tout ce que j’avais à retirer de ma vie. En fin de compte, c’est un instructeur de forage qui a dit à Bratton que sa vie était significative et précieuse.
Bratton a donc mis toute cette expérience dans son film à une époque politique difficile à travers le monde. « Nous devons réapprendre à écouter malgré nos différences. Et l’endroit où j’ai appris cela était le Corps des Marines.
En écrivant le personnage de Jeremy Pope Ellis French, un remplaçant pour lui-même, Bratton a reflété l’esprit de sa vérité même s’il a romancé certains événements. « Le film est 100% autobiographique en ce qui concerne les motivations premières du personnage. Tout entre French et sa mère est hors de ma vie.
Mais j’ai mixé et remixé des choses. Il s’agit plus de l’essence de la vérité émotionnelle que du souvenir et de la chronologie d’événements spécifiques. En ce qui concerne la représentation de la masculinité dans son film, « Il y a cette grande citation dans ‘Paris Is Burning’ : ‘Être un homosexuel noir est la plus grande expérience de comportement social de tous les temps' », dit-il.
« Nous ne sommes pas très souvent les héros de nos histoires. Donc l’intention [is] voir le monde à travers les yeux de [a] Homme gay noir : très art et essai, très portable. » L’une des scénaristes de « Causeway », Elizabeth Sanders, fait des recherches sur des personnages tels que le vétéran blessé Lynsey (Jennifer Lawrence) depuis 2012.
C’était à peu près à l’époque où les EEI avaient changé le paysage de la guerre et redéfini le sens d’être sur le première ligne. « Les femmes ne pouvaient même pas servir dans des rôles de combat jusqu’en 2013 et pourtant elles rentraient à la maison avec [traumatic brain injuries]. J’étais vraiment fascinée par ces femmes soldats et à quel point il était difficile pour elles de réintégrer la vie civile alors qu’elles rentraient chez elles avec des problèmes de vision, des problèmes de mémoire et des problèmes psychologiques.
Sanders considérait Lynsey comme une personne souffrant de traumatismes cumulatifs, isolée et seule pendant la majeure partie de sa vie tout en acceptant à la fois sa dynamique familiale et sa sexualité. « C’est l’explosion qui a tout fait basculer. Tout d’un coup, elle a dû faire face à son passé, sa vie.
Je voulais explorer la vie d’une femme gay se déplaçant à travers le monde sans son armure. Elle a également imaginé une trame de fond pour Lynsey – qu’elle était amoureuse d’une femme soldat décédée dans la même explosion – une histoire qu’elle a partagée avec Lawrence. Il était important pour Sanders et ses co-auteurs que le public découvre l’identité sexuelle de Lynsey de manière décontractée.
«Elle ne sort pas ou ne lutte pas avec ça. C’est juste qui elle est. Et cela change immédiatement la nature du potentiel de ce qui est partagé entre elle et Aucoin [Brian Tyree Henry].
En fin de compte, c’est l’empathie et la connexion qui nous font traverser le deuil et guérissent notre traumatisme. Pendant ce temps, « The Whale » – adapté d’une pièce de théâtre – est venu de divers points de contact personnels pour l’écrivain Sam Hunter, étant une histoire se déroulant dans une ville non identifiée de l’Idaho où il a grandi dans les années 1990 en tant qu’enfant gay isolé. « Je suis allé dans une école chrétienne fondamentale que j’ai finalement dû quitter lorsqu’on a découvert que j’étais gay.
Je suis tombé en dépression pendant de nombreuses années et je me suis soigné avec de la nourriture pendant très longtemps », dit-il. Pourtant, Hunter se considérait chanceux d’avoir l’amour de sa famille et de son petit ami de l’époque, maintenant mari. Alors avec Charlie de Brendan Fraser, il a voulu raconter l’histoire de quelqu’un qui n’a pas eu la même fortune.
« J’écris fréquemment des personnages homosexuels dans mes pièces et la majorité se déroule dans l’Idaho. Dès le début, j’étais vraiment intéressé à raconter des histoires d’homosexuels qui n’ont pas quitté ces communautés rurales. Nous voyons tellement de belles histoires de la vie urbaine gay, mais je pense qu’il y a une vraie pénurie de personnages LGBTQ non urbains.
Ils ont des vies très fascinantes et complexes », dit-il. En tant que scénariste et dramaturge, Hunter apprécie de voir des êtres humains en trois dimensions dans une histoire à travers laquelle l’écrivain disparaît. « JE [don’t want to] pensez au stylo qui l’a écrit.
J’écris des personnages homosexuels la plupart du temps. Mais ce n’est pas un genre. Je ne prends aucune décision [based on] quelle est leur démographie.
C’est un être humain qui est aussi gay. Et les vrais êtres humains sont incroyablement compliqués. Nous sommes tous un gâchis de choses.
C’est quelque chose qui ressort si bien dans la performance de Brendan : la joie et le désespoir se côtoient, ainsi que l’amour et la colère.