Les récits épiques de l’histoire ne manquent pas, nés des conflits et de la résilience humaine. Cette saison des Oscars a vu plus que sa juste part d’épopées historiques, se déroulant partout dans le monde. The Woman King jette un œil aux guerrières Agojie entièrement féminines du royaume du Dahomey en Afrique au 18ème siècle. Basé sur le roman de 1929 du même nom, All Quiet on the Western Front montre un côté beaucoup moins héroïque de la guerre et le traumatisme subi par les jeunes hommes amenés à rejoindre la ligne de front allemande. Emancipation est vaguement basé sur l’histoire de « Whipped Peter », un esclave évadé de Louisiane dont l’image meurtrie est devenue mondiale au début des années 1860. Viola Davis et le casting de The Woman King Sony
La femme roi
La rédactrice en chef Terilyn A. Shropshire était ravie lorsque la réalisatrice Gina Prince-Bythewood a qualifié The Woman King de « notre » prochain film. « C’était de la musique aux oreilles d’un éditeur, quand vous entendez ‘notre’ au lieu de ‘mon' », dit Shropshire. Après avoir entendu l’histoire, elle était ravie de pouvoir montrer une épopée mettant l’accent sur un personnage féminin fort. « Avec Nanisca, il y avait des niveaux de qui elle était quand nous avons pu enlever ces couches et montrer cette vulnérabilité », dit-elle. «Souvent, je me suis retrouvée à vouloir amener le public dans ces moments privés avec elle. J’essaie de servir les moments, car en tant que monteur, vous devez toujours être ce public de votre film. Montrer cette vulnérabilité est important lorsque vous travaillez sur un film «intimement épique», comme l’appelle Shropshire, où vous commencez par construire les personnages avant le monde. « Si vous pouvez commencer par cela, puis développer vers l’extérieur, cela aide vraiment la narration. » L’une des scènes qui donne vraiment le ton se situe au début du film lorsque les guerriers Agojie sortent des hautes herbes. Shropshire dit que la scène n’a pas été écrite à l’origine de cette façon. « Lorsque nous avons commencé à entrer et à vraiment regarder les personnages dans la salle de montage, nous avons décidé que la meilleure façon d’amener le public était à travers un sentiment de mystère et de découverte. » Avant que l’un des personnages ne soit présenté, les femmes se lèvent de l’herbe et attaquent, ce qui établit un ton pour les guerriers qui permet au public de commencer un voyage de découverte. La chose la plus importante pour le Shropshire était de s’assurer que le film était plus une épopée qu’un film d’action. « Certains des plus grands films épiques historiques sont vraiment axés sur les personnages », dit-elle. Elle soutient que la meilleure façon d’y parvenir est de construire le monde pour qu’il soit aussi historiquement précis que possible. « Même les subtilités de pouvoir honorer le travail de chacun, le décorateur, le costumier… ils ont passé beaucoup de temps à rechercher ce moment particulier dans le temps et c’est ma responsabilité, dans le cadre de la narration, de m’assurer que je ‘ J’amène également le public non seulement visuellement, mais viscéralement dans un monde qu’il n’a jamais vu auparavant. Felix Kammerer et Albrecht Shuch dans All Quiet on the Western Front Netflix
À l’Ouest, rien de nouveau
Alors que The Woman King racontait une histoire de triomphe, All Quiet on the Western Front raconte une histoire très différente avec sa représentation brutale de jeunes troupes allemandes pendant la Première Guerre mondiale. Le monteur Sven Budelmann était excité lorsque le réalisateur Edward Berger l’a approché pour le film, mais il a également ressenti une grande responsabilité pour bien raconter l’histoire. « Chaque Allemand entre en contact avec le roman ou l’adaptation cinématographique des années 1930 pendant ses années scolaires », dit-il. « Cependant, j’ai pensé qu’il serait important d’en faire une nouvelle version moderne… Le fait que le film soit raconté du point de vue allemand, du point de vue des perdants, signifie aussi qu’il n’a rien d’héroïque. » il. Le tout est juste atroce et inutile. Je pense qu’il est important de continuer à montrer à quel point la guerre est terrible et ce que cela signifie de se battre dans une guerre, en particulier à la lumière de la situation mondiale actuelle. Après quelques discussions avec Berger, Budelmann a décidé d’adopter une approche presque documentaire du montage, en gardant le style observationnel tout en créant une vision intime de la guerre à travers les yeux du protagoniste, Paul Bäumer (Felix Kammerer). Pendant ce temps, de jeunes hommes comme Bäumer ont rejoint la guerre volontairement et ont été confrontés à la terrible réalité de la bataille. « Nous voulions que le public fasse l’expérience de la réalité de manière aussi choquante que Paul Bäumer », dit-il. « Nous voulions montrer la brutalité de la guerre de la manière la plus authentique et la plus brutale possible. Pas pour le rendre sensationnel, mais pour le rendre réel et tangible. Le plus important n’était pas de rendre le film héroïque. Nous voulions montrer la guerre telle qu’elle est : folle, brutale, aléatoire. Le plus grand défi pour Budelmann était de trouver le juste équilibre entre « la violence et les moments de silence », dit-il. « Sinon, cela aurait été trop difficile à supporter. » Des scènes de bataille sont contrastées avec des plans de la nature pour créer des moments de repos pour le public. Cela rend l’impact de la violence encore plus grand. L’une des scènes les plus percutantes du film était un long plan où Bäumer poignarde un soldat français avec un couteau, puis assiste à sa mort atroce. « En tant que public, nous le suivons avec enthousiasme dans la guerre, mais nous réalisons rapidement ce que cela signifie d’être dans les tranchées et de se battre sur le champ de bataille », dit-il. « Pour moi, c’est la scène la plus intense du film. Quand j’ai vu la première prise des images brutes, j’ai été vraiment touché et je me suis senti mal à l’aise pendant des heures après l’avoir regardé. Nous ne voulions pas non plus épargner le public, il devait vivre le même développement émotionnel que Paul. C’est pourquoi nous avons joué la scène en temps réel, sans rien raccourcir. Will Smith, Michael Luwoye et Gilbert Owuor dans Emancipation Apple TV+
Émancipation
Pour Emancipation, le réalisateur Antoine Fuqua s’est appuyé sur son collaborateur de longue date Conrad Buff pour monter l’épopée historique. Pendant que le film était tourné en Louisiane, Buff travaillait de chez lui en Californie, ce qui, selon lui, lui a permis de jeter un regard plus objectif sur le matériel. « Traditionnellement, la première passe pour la plupart des éditeurs est à nous de prendre les décisions », dit-il. Fuqua lui a donné quelques notes avant le premier montage, ce qui a donné beaucoup de liberté à Buff, surtout dans le deuxième acte. « Il y a une certaine absence de dialogue, en particulier dans la zone du deuxième acte où Peter (Will Smith) et le gang s’échappent de Jim Fassel (Ben Foster) et du camp de chemin de fer, qui se transforme en cette poursuite. » Comme il y a peu de dialogue pendant la poursuite, Buff s’est penché pour choisir quels moments visuels auraient le plus grand impact et dans quel ordre. « Il n’y a pas de feuille de route, éditorialement. C’était plus documentaire à cet égard, à moi de raconter une histoire. La poursuite à travers le marais a également été tournée sans son, laissant Buff et l’équipe de son créer le travail Foley pour le décor. « Normalement, dans toute séquence d’action, le son est souvent inutile et doit être recréé », dit-il. « En raison des conditions d’être physiquement dans les marécages, les micros radio ne fonctionneraient pas nécessairement pendant que les gens pataugent dans l’eau. » Alors que Foley travaille pour ce genre de film est normal, Buff dit qu’ils devaient le porter à un degré supérieur pour créer les sons subtils de l’environnement. « Ce qui est bien, c’est que ce n’est pas un travail évident. Ce n’est pas comme Top Gun où vous voyez réellement des jets voler. C’est un défi plus calme et différent pour Foley… chaque branche, chaque pas, chaque morceau de tissu frottant contre un corps doit être construit. Notre équipe de son a été phénoménale à cet égard. Lisez l’édition numérique du magazine The Best of 2022 de Deadline ici. Bien que l’histoire puisse appeler des scènes de violence horribles, Fuqua a choisi de faire en sorte que la caméra s’éloigne de ces moments et se concentre plutôt sur la façon dont Peter réagit à la scène. « Il y a une telle intensité et une telle tristesse dans ces moments, et je ne pense pas qu’Antoine était intéressé à obtenir plus de graphisme que ce que vous voyez dans le film fini », dit-il. « C’est un film tellement intense et je suis assez content qu’il n’ait pas été plus graphique qu’il ne l’était. C’est déjà si puissant.